这张没见过唱片，上网查了一下，原来这老太不简单大有来头啊。
1 4岁的时候(1929年)随施密特·肯尼迪夫人学习钢琴.此夫人乃莱谢蒂茨基(与李斯特都出自车尔尼门下,学生有伟大的Paderewsky,施纳贝尔等)的学生.
      2 5和10岁的时候,约瑟夫·霍夫曼(安东·鲁宾斯坦的学生,费城柯蒂斯音乐学院院长)教导她技巧.期间随玛格丽特·隆(演绎Chopin的大师)学习.
      3 6左右随埃贡·佩特里(布索尼的高徒)学习.
      4 10左右随老拉(这个就表说了歪,地球人都知道)以及施纳贝尔(贝多芬作品的大师)学习钢琴.
      5 10岁以后的7年时间里,随Cortot(法系Chopin的大师)学习.
      6 拉扎尔·莱维交她指法设计.
      7 伊尔西多·飞力浦教她指法练习.
      8 布郎热(拉威尔的同学)教她和声.


“当代最优秀的女钢琴家。” ——《镜报》
“自莫扎特之后最杰出的音乐神童。”——《纽约时报》
“她是我所认识最具才华的人。” ——拉赫曼尼诺夫

《指尖下的音乐——给职业与业余演奏家的忠言&钢琴技术面面观》
『美』史兰倩丝卡著。王润婷译。

跟这么多大师学习过。。。。。

《指尖下的音乐》书摘

作者史兰倩丝卡对学生王润婷(本书翻译)说的一段话:

“如果你把自己局限在第二等钢琴家中，你将永远只能是第二等钢琴家。我是不愿意成为第二等的，我也不和别人比较，我只和最好的自己比较。如果我这一次做得好，下次我一定要更好。”
　　
　　我曾好奇的问我的老师（史兰倩丝卡）：为什么一些钢琴家，每天只要练习两个小时，上台就能生龙活虎，而我们却要花这么多时间？
　　
　　她回答：“当我还是一个孩童的时候，我父亲总是对外宣布，他那天才般的女儿，一天只练习两个小时。而实际上，我每天必定练习九个小时的琴。”
　　
　　这个回答解决了我心中最深的疑惑。P15

个人因素-艺术家的成长
　　
　　作者形容演奏乐曲：”在音乐中，我们的耳朵绝对不会遗漏一个纯正艺术品所欲传达的精神。这种感受，就好比在观众面前制造一朵美丽鲜艳的玫瑰：细心编排它的叶子，它的花瓣，一片又一片，知道它在我们手中成为一朵完美的生命；此时吹口气，使它真实地活一下，即使一刹那也好。相信这个情景将使看过的人永生难忘。当我们演奏一首乐曲时，上述的情景就是我们必须致力做到的，即使乐曲只有几分钟或几十分钟，我们也要将音乐活生生得呈现出来。因为，唯有把音乐特有的生命力传达出来，我们的演奏——音乐的再创造——才是深具意义的。“
　　P27
　　
　　“我们也时常将经历到的灵感，小心翼翼地储藏在脑海里，当需要的时候，它们就从记忆里蹦出，像火花一般点燃我们再创造的力量。”P28
　　
　　“当我们埋下一粒种子，种植一朵花时，我们很清楚花的名字，花的颜色、形状，以及它盛开时的模样。我们之所以选择这朵花，主要是我们内心的一双眼睛已代替肉眼，看到花在未来绽放的情景。音乐的形成与此相去不远。在练习每首乐曲之初，我们必须能先想象出音乐里每一个音符的音色，每一个乐句的走向，及整个作品欲传达的情感与气氛。”P29

　　 音乐是一种语言
　　
　　分析乐曲中的每一个句子，然后用平静且能听得见的声音告诉自己，你认为某一乐句欲表现的情绪是什么：是愉悦、悲伤，还是思乡、抱怨？是痛苦、欢乐，还是热情、预言？在你决定了最适当的“感觉”后，将这种“感觉”在键盘上一次又一次地做实验，直到你双手弹奏出来的音乐成功呈现。
　　
　　在弹奏每个乐句的结尾时，身体和音乐必须同时做到一个自然的反应——呼吸。P33
　　
　　肖邦也十分坚持，钢琴家应该尽可能地在最准确、最好的钢琴上做练习，因为那将使我们的耳朵熟悉最优美的声音。
　　
　　因此，即使我在音阶的练习上，也应力求音色的优美。P37

       培养均衡地弹奏的能力
　　
　　在音乐中，节奏是每一首乐曲流动的脉搏，速度则是它的步伐。乐谱上，作曲家使用的速度术语，诸如Largo（宽广的感觉）、Andante（散步的感觉）、Vivace（很活泼的心情）、Allegro（快乐的心情）、Presto（极速的感觉）、Grave（神圣庄严的情绪）等，只能提示我们乐曲传达的气氛，而不是告诉演奏者实际动作的快慢和速度。P41
　　
　　
　　节拍器是必备的练习工具/耳朵的重要性/李斯特的一套练琴方法/从最慢的速度开始练习新曲/节拍器的训练可以建立自然反应的律动感
　　
　　耳朵的重要性：我总是建议学习者，每日至少花一个小时在巴赫的作品上下功夫。长时间在复音音乐上的思考和磨练，对我们弹奏任何一个时代的作品，都是很有帮助的。
　　
　　李斯特：他不断在单音、八度音及和弦上做着重复的练习，使肌肉能慢慢巩固起来，并产生控制力。
　　
　　节拍器：在练习时使用节拍器，最终极的目标，是建立我们本身具有自然反应的律动感。

        练习的秘诀
　　
　　如何得到必要的技巧：当我们遇到障碍时，唯一的解决方法，就是先将乐曲里那不易克服的乐段，一段一段地挑出来，使它们都变成一首首短小的练习曲，运用一些方法去磨练，待完全征服后，再放回原曲中做整体的练习。
　　
　　“变换重音”的练习方式/跳跃的双手/八度的模型
　　
　　琴键上的大跳：需要依赖眼睛的帮助；如果两手都有大跳，注视较不熟悉的那只手；一次最好只练习两个大跳，来来回回地用慢速练习，直到这两个大跳在你的手中能十次以上都准确落在音符上，才可以继续下面两个跳跃的和弦。
　　
　　重复音的练习：换指
　　
　　装饰音的练习/华丽装饰奏上的练习方式
　　
　　复节奏的训练：二对三/三对四，先远离钢琴，在桌子上用手指敲打二对三或三对四的节奏，让两手去感觉在不同节奏下相对的关系。
　　
　　指法的设计/踏板的使用/进一步开拓技术的练习方式/如果你有一双小手/可以使用两种方式来弹奏圆滑音
　　
　　如何增强背谱的效果：在每日清晨，当头脑最为清晰的时候背谱，而后在下午或晚间每一个练琴的时段中，加强复习半个钟头，尤其是临睡前的练习绝对不能少。有时，你或许会碰到极为棘手的乐段，可以试着就寝时将乐谱带至床前，一面想象着音乐的进行，一面练习用你的头脑默背音符。偶尔看一下乐谱以免背错。P75
　　 音乐的吸收与传达
　　
　　在我们完全吸收一首乐曲之前，下意识里早就已经吸收了这首乐曲中的许多小片段。起先，它们就像一个个小岛，是互不相连的，也许这里几小节，那里几小节，深深地印在你的脑海中。但是，经过每日反复的练习，从头至尾不断以由慢到快的速度加深你的记忆，慢慢地，小片段都练成了大片段，需要看谱的地方也愈来愈少。最后，一首完整的乐曲终于在我们的手中成形，成为一个音乐实体——那是完完全全属于自己的。
　　
　　每一个乐曲到达这个阶段时，在我的感觉中，就像是一个新生的生命，充满着奇迹，使人感到无比兴奋。虽然此刻它们都还很年轻、较弱，缺乏被演奏的经验，但是你似乎已经预见它们在不久的日子中即将现出的模样。
　　P84
　　
　　给予青年学习者的忠告：1、不要轻易放弃。很多时候，你可能花费了许多时间于某个乐段的练习，好几天，甚至好几个月，都无法克服它。这时，不要失掉继续练下去的勇气。你可以把它放在一边，休息几天。因为很可能你太全神贯注于其中，自我批评的心太重了；也可能是练习得太多，肌肉或心理产生了紧张与劳累。经过短暂的休息后，有时这些闹人的乐段会不治而愈，有时却依然糟糕。后者的情形便表示你还未有足够的能力去弹奏它，需要回到最初的练习步骤上，重新开始。2、忠实对待你的乐谱。3、演奏一首乐曲，切勿太过分地加重弹奏那些需要强调的音符。4、不要“夸张”地做老师给你的建议。5、避免将自我塑造成一个保守主义的演奏者。弹奏钢琴时，过分晃动身躯乃无必要，但是一位压抑身体，不使之因音乐的起伏而动摇，不仅不能有美的音乐品味，由人体与情感的关联性来说，亦是绝对不可能的。钢琴的弹奏者应该了解，由自然、不压抑的身躯里释放出来的音乐才是健康优美的，而放松自由的弹奏技巧永远值得热爱音乐的人勇于一试。
　　P89
　　

钢琴曲目的建立
　　
　　音乐作品表现作曲家的气质
　　
　　在古老的年代里，钢琴曲目还未被大师们建立起来时，音乐家必须为自己的演奏及教学需要写作键盘乐曲。巴赫为他的孩子写下创意曲，莫扎特、贝多芬、肖邦等，也曾为自己的学生创作出无数的钢琴作品。他们都竭尽所能在键盘上发挥着个人的特质：个人特殊的天赋、最喜爱的音乐设计、最适于自己手型大小表现的弹奏方式。以李斯特为例，他的公开演出情景，就好比现代的热门音乐演唱会——在编曲者的浑身解数下，将乐器的音响发挥到极致。他用八度音及分散和弦将那两只大手，在所创作的狂想曲、歌剧选曲等钢琴作品上，做了最疯狂的表现。帕格尼尼练习曲在技巧上是那么地艰难，以至于在李斯特离开世间以后许多年，几乎没有人能真正演奏那些作品。而另外一位作曲家肖邦的作品，在某一方面来说。则是沙龙音乐中最抒情、优美，也最具代表性的钢琴作品。
　　
　　钢琴家在选择演奏曲目时，也要选择最适于发挥个人特质的作品。然而在决定那些乐曲是适合于表现自我之前，每一位钢琴的学习者却必须在钢琴的曲目上，具备广泛而完整的知识。
　　
　　审慎选择演奏曲目
　　
　　很多儿童能在一个星期里学会弹奏一整首奏鸣曲，在两个星期内练习一首协奏曲。和他们比起来，年长的学生可能要花费较多的时间才能理解及消化一首乐曲（原因是随着学习时间的增长，我们知道除了音符以外，还有更多的细节需要同时被吸收）。
　　
　　虽然我从不鼓励年轻朋友们学习较具知名度的乐曲，但是对于另一部分学生却有例外。这些学生天分较为薄弱，只是因为喜爱音乐才学习钢琴，没有任何走上舞台成为著名演奏家的野心。……我从不那么细腻地要求他们，但是仍然希望从每一首乐曲里，交给他们一点点有价值的技巧与音乐的表达。
　　
　　 实用曲目的介绍
　　
　　所有的钢琴作品中，巴赫、亨德尔、巴尔托克、海顿以及一些四手联弹的作品可以训练我们具有正确数拍子的能力；肖邦的玛祖卡、莫扎特及海顿的作品，能够帮助我们学习如何表达乐句，如何将许多小乐句连接成一个大的音乐线条；而巴赫、勃拉姆斯、德彪西的乐曲，则训练我们在同一个时间内思考许多层面的细节，比较适于高程度的学生使用。……我时常故意给学生一些他们不太熟悉的乐曲，他们才会耐心去认识那些陌生的音符，不至于急着马上把音乐的样子弹奏出来。

        精心设计演奏会曲目
　　
　　音乐演奏的发展史
　　
　　古老的日子里，音乐会往往是一个小城镇中很重要的社交活动，人们总是在音乐会结束之后就不停谈论，直到下一场音乐会来临。那时的音乐会非常长，可以长达数小时，从夜晚演奏到黎明（这样的盛会啊~~~）。有趣的是，一些特技表演者、魔术师和变戏法的人，也经常应邀助兴。在一次贝多芬担任指挥的音乐会上，乐章之间竟然出现一位小提琴家，玩着倒拿提琴演奏音乐的把戏。此外，音乐会里还有一个重要的表演项目，那就是音乐家们在钢琴上作即兴演奏。莫扎特、贝多芬、李斯特在他们还未因作曲成名之前，都是顶尖的即兴演奏家。
　　李斯特是一位天生具有表现欲的人，他开创了历史上第一场“钢琴独奏会”，也是第一位以侧坐来演奏钢琴的音乐家（以往钢琴家皆背对观众），如此，观众们便能看见他那俊美的脸庞。
　　精心安排音乐会曲目的重要性
　　
　　在唱片普及的时代，我坚信，唯有真正吸引人的曲目，经过精心有品位的设计，呈现丰富多变的色彩，才能将疲累工作后的人们，从家中柔软的座椅中吸引进音乐厅。
　　
　　理想曲目的组成方式
　　
　　在同一个调上弹奏一首夜曲，再接着弹奏一首练习曲，就好像把一朵淡蓝色的花放在一朵深蓝色的花旁边，它们相互凸显了对方的色调与明暗美。
　　
　　不同的听众要求相异的演奏曲目
　　
　　法国及拉丁民族的听众，则比较喜欢陶醉于清爽的音乐中。英国、北欧、荷兰的听众不善于迅速表达他们的感受，但却是非常敏感聪慧的听众；不论是深奥的还是现代的音乐，他们都喜欢，他们要求均衡的曲目。大体上看，欧洲的听众都是久经世故、极具音乐素养的听众。
　　 完整地准备演奏曲目
　　
　　建立工作时间表
　　
　　我每天都至少先花一个钟头的时间用于暖手练习上，随后才开始练习曲目。“演奏”真是十分艰难的工作——我有时会好奇地自问，这世界上是否只有人喜欢做这些烦闷的练习？——但是，它同时又充满了迷人的挑战。每当演奏会之前，我们总是叹息那些暗无天日、不幸的生活；然而演奏会结束之后，我们还是照旧过相同的日子，不肯有丝毫的改变。
　　没有一个人全身的机能可以永远处于高峰。有时我们的心智会比较灵敏；有时我们的肌肉呈现出最具活力的水准；有时我们在诠释音乐上有特别的灵感。轮流练习不同曲目，可以使得乐曲在不同的练习时段中，得到某方面特别的精进。……我发现无论练琴时情况有多么糟糕，持续练习总比彻底失败来得好——即使眼前你连一点收获都没有。
　　
　　练习阶段一：从最艰难的作品着手练习
　　
　　当最难的作品掌握之后，便开始征服次难的作品，而把前者列为复习的曲目。
　　
　　练习阶段二：将所有曲目分三个部分
　　
　　靠着反复练习，先前夸张的部分已逐渐趋向自然，弹性速度也在适当控制下现出了形状，力度与速度的粗糙面亦消失了，每位作曲家作品中独特的内涵便慢慢地被表现出来。那些细腻的音色与表达不是高速公路上的车灯，炯炯耀眼，而是从高空眺望广阔的地面——那充满五彩 变化的夜景。
　　
　　塑造音乐时脑海里要有完整的观念
　　
　　完整仔细的练习是我们在舞台上演出的安全带
　　
　　持续不断的演出，可以让你的音乐永葆光亮，就像棒球员每日固定的练习使他们能保持高度的打击率一样。还有人会问我：如果你在演奏时缺乏灵感，你都怎么办？这类问题让我感到吃惊，这似乎是不可能发生的。因为艺术家是不可以等待灵感到来的时候才工作的，他的职责就是随时随地都能创造出音乐的气氛，为他自己，也为他的听众。良好的练习让我们保持灵敏的手指，即使有时候头脑处于空白情况下，它们依然有好品质的演出能力。（形成一种肌肉记忆，一种下意识的反应）我非常相信演出时的怯场，有百分之九十来自平日训练的不足，只有百分之十是来自害怕。
　　

           听的艺术
　　
　　放开心胸，学习反应（让自己投入，让感情被带动起来）
　　
　　避免“先入为主”：有许多听众在听完一场音乐会，总是等看了隔日报上的评论后才发表他们的看法和好恶。这是多么错误的做法啊！音乐品味是极度个人的东西，你可以借他人具有价值的判断，来刺激和带领你思考研究的方向、磨锐及引导你的感官，但是“你自己”才是最后决定你到底是喜欢还是不喜欢一场演出的人。
　　聆听者应了解作曲家及乐谱
　　
　　挑选出你较喜爱的音乐，享受之余去了解作曲家及乐谱，并从演奏的观点及你个人的感觉来分析所听到的演奏，不久之后你便会发展出一套属于你自己的良好鉴赏力了。听到音乐后，可以用来思考的路线：1、分析乐曲被创造的年代：古典、浪漫、印象还是现代作品？2、乐曲旋律或节奏是否具有某一国家特有音乐语言色彩？3、乐曲的旋律或和声特征是否使你想起某一作曲家的作品？
　　
　　

我的教学经验
　　
　　所有肢体的活动都需要朝着“放松”和“敏捷”的目标努力，最简单的方法，就是最好的方法。
　　
　　和声的训练同时也能教导那些“听不出音乐”的人，知道合乎逻辑的“对称”，是一切音乐作品的骨架。
　　
　　音阶与琶音：要真正熟悉键盘，需要多年努力才能达到。这期间，每日的音阶练习是不可少的功课。由西方文明发展出来的音乐，大部分是建立在调性（24个大小调）上的，所以熟悉每个调性的位置及音阶，乃是非常重要的基本能力，也是为未来排除恐惧感所作的最好准备。
　　
　　每日最好以四个八度弹奏所有的大小调音符、琶音及半音阶。一些有趣的练习方法：
　　
　　分手练习。
　　
　　双手以三度、六度、八度、十度练习。
　　
　　双手交叉练习。
　　
　　断音弹奏：以手指跳奏、以手腕跳奏、以手肘跳奏。
　　
　　一只手强，一只手弱。
　　
　　一只手圆滑，一只手以断音弹奏。
　　
　　以不同的重音练习。
　　
　　以节拍器慢速度到快速练习。
　　
　　指法是非常个人化的东西，但是一些基本的、自动化的指法，对每一个钢琴家来说，都是运指技巧上最重要且最坚固的基础。
　　
　　视奏：对初学者，我建议以布格缪勒练习曲、波提尼练习曲、舒伯特圆舞曲，还有格里格、亨德尔、莫扎特、普塞尔的小品来练习。
　　
　　  大学程度群体课的内容
　　
　　视奏是一种必须的其实也算容易的技巧。视奏练习的几个要点：1、双手不依赖眼睛找到正确琴键；2、眼睛要同时看到正确音符、音符时值、触键记号（圆滑奏、跳音、断音、滑音）、乐句及圆滑线、强弱记号等；3、在几个小节前，就分辨出所有记号及节奏上的变化；4、建立连贯的乐思及音色。
　　
　　  如何走上演奏台
　　
　　乐曲经过完整练习及背谱后，应即刻到演奏台上实际弹奏：如果经过一段长时间背谱后，你依然想等待音乐更好一些才放到演奏台上，则非常不幸，你将永远等不到那一天。早一些上台演奏，可以从中学到更多有价值的经验。
　　
　　练习时，可以改变周围的熟习环境，心情在紧张下，耳朵却能变得更灵敏。试验以不同速度及力度演奏音乐，找到合乎理想的诠释。
　　
　　熟悉音乐的每一段落：在每日的练习里，有一项重要准备工作，那就是将所有演出曲目完整弹奏一遍。我每日的练习上，几乎每一首乐曲我都以不同速度至少弹奏六次，借以修正技巧上的问题。
　　
　　音乐只有在完全进入潜意识之后才为人们所拥有：有一位著名的小提琴教室曾要求他的学生单脚站立演奏，学生必须集中精神才能保持身体平衡，不得不用潜意识去拉琴。我们在预演时，也可以找一位朋友，在旁边不断跟我们说话，我们愈能依靠潜意识弹奏，则音乐的表现越自由。
　　
　　养成一坐到钢琴前边弹奏开场曲的习惯：为了预防站到舞台上时灯光、观众、以及舞台空间带来的紧张感，必须将开场乐曲准备到不需要经过思考便能自动呈现完美的状态。

这位老太的录音俺听过，也看过她那本自传，学钢琴的人里恐怕再也没有她这么传奇的经历了。不过她的琴力充分说明了一句老话，“师父领进门，修行在个人”

scfan 发表于 2015-8-13 09:13
这位老太的录音俺听过，也看过她那本自传，学钢琴的人里恐怕再也没有她这么传奇的经历了。不过她的琴力充 ...

非常赞同版主的观点！
      二十多年前，我一时兴起，也赶时髦聘请了一位钢琴老师一对一的教我学钢琴。苦学了几年，无奈自己年龄大（近四十岁）加上愚笨，没多大进展后放弃。倒是当年花数十万元购买的美国一名牌三角钢琴，今天看来倒是没有掉价，想想甚是可笑！

“肖邦也十分坚持，钢琴家应该尽可能地在最准确、最好的钢琴上做练习，因为那将使我们的耳朵熟悉最优美的声音。
因此，即使我在音阶的练习上，也应力求音色的优美。”

虽然看似都是与演奏有关的东西，但是还是有很多值得关注的信息。
如这句话，听音乐也应该尽可能地在最准确、最好的系统上听?

那么问题来了，什么音响系统才是“最准确、最好的系统”？

当当上有本关于她的专著。