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1.古典音乐作品的命名原则  

一般来说,古典音乐曲名的构成有以下几种情况:  
　　1.体裁+主奏乐器+调性,多用于协奏曲concert、奏鸣曲sonata，调性是作品  
中的主音，有C，D，E，F，G，A，B，以及它们的升调sharp和降调flat，大调式  
major，小调式minor。如concerto for piano in E-flat major（降E大调钢琴协  
奏曲）有时或可写作piano concerto……。有一点要注意，Concerto是意大利文  
，复数是concerti。其中的各个乐章movement多用节拍符号表示，另附在下面。  

　　2.约定俗成的称呼+体裁，多用于一些知名度较大的作品或创作时名称不明  
确，后人起名的作品，或是圆舞曲。如巴赫的Brandenburg Concerto（勃兰登堡  
协奏曲）、Englishi/French Suite（英国/法国组曲）、Goldburg Variation（  
哥德堡变奏曲），莫扎特的Jupiter Symphony（天神交响曲），施特劳斯的Emp  
eror Waltz（皇帝圆舞曲）。  

　　3.用国际通用编号，多用于作品丰富的大师级作曲家，如巴赫用BWV，维瓦尔  
第用RV，莫扎特用K。有时对于某人的某一种体裁也可用No.或Op./Opus编号，其  
中Op.和Opus.代表作者的第多少部作品集，No.代表这部作品集的第多少篇作品。  
如莫扎特的Piano Concerto No.21（第21钢琴协奏曲）。又如 Concerto No.5 of  
Opus 6，代表某个作者第6部作品集的第5首协奏曲。  

　　4.用作曲家的作品集的名称，如巴赫的Musical Offering（音乐的奉献）、  
Art of Fugue（赋格的艺术）、The Well—Tempered Clavier（平均律钢琴曲集）  


　　5.应景而作的庆典音乐如亨德尔的Water Music（水上音乐），Royal  
Fireworks Music（皇家烟火）等。  

　　6.歌剧opera、芭蕾舞剧、歌曲等大多使用表示剧情或歌词内容的名字，如  
门德尔松的 A Midsummer Night\'s Dream（歌剧 仲夏夜之梦）、spring song  
（无言歌《 春之歌 》），著名的歌剧音乐多选自序曲overture，如罗西尼的  
William Tell-overture（威廉·泰尔序曲），或咏叹调如罗西尼的Figaro\'s  
Aira（费加罗的咏叹调，选自塞维利亚的理发师）。早期歌剧、神剧（oratorio  
）的序曲称为sinfonia。  

常见的体裁名称总结如下：  
器乐Instrument Music：  
Concerto 协奏曲  
Concerto Grosso 大协奏曲  
Solo Concerto 独奏协奏曲  
Sonata 奏鸣曲  
Symphony 交响曲  
Symphonic Poem 交响诗  
Symphonic Suite 交响组曲  
Fugue 赋格曲  
Prelude 前奏曲  
Variation 变奏曲  
Invention 创意曲  
etude 练习曲  
Suite 组曲  
Toccata 托卡塔  
Serenata 小夜曲  
String Quartet 弦乐四重奏  
Ballade 叙事曲  
Orchestra 管弦乐  
Chamber Music 室内乐  
Humoresque 幽默曲，诙谐曲  
Canon 卡农  
Capriccio 随想曲  
Rhapsody 狂想曲  
March 进行曲  
Partita 帕蒂塔（古组曲）  

声乐Vocal Music：  
Contata 康塔塔  
Oratorio 神剧  
（注：这两种体裁较相似，只是规模、题材不同，翻译上较混乱，有时两者都翻译成清  
唱剧）  
Chorale 众赞歌  
Mass/Missa 弥撒 一般分为五段：  
Kyrie 垂怜经  
Gloria 荣耀经  
Credo 信经  
Sanctus 圣哉经  
Agnus Dei 羔羊经  
Chant 圣咏，又称素歌、平咏：Plain Song、Plain Chant  
Gregorian Chant 格里高利圣咏  
Motet 经文歌  
Madrigal 牧歌，法语为Chanson  
Opera 歌剧，其中  
Overture 序曲  
Sinfonia 早期歌剧的序曲  
Introduction 序幕  
Aria 咏叹调  
Recitative 宣叙调  
Passion 受难乐  
German Lied 德国艺术歌曲，复数Lider  
Melodie 法国艺术歌曲  
Choral 合唱  
Cradle Song 摇篮曲  

舞曲Dances：  
Waltz 华尔兹，圆舞曲  
Polonaise 波罗乃茨，波兰舞曲  
Minuet 小步舞曲  
Ballet 芭蕾舞曲  
Polka 波尔卡  
有些舞曲近代较少见，但它们是早期器乐组曲的组成部分，Willian Byrd拜尔德、巴赫  
的作品中常见：  
Pavan 帕凡舞曲  
Passacaglia 帕萨卡利亚舞曲  
Chaconne 恰空舞曲  
Allemande 阿勒曼德舞曲  
Courante/Corrente 库朗特舞曲  
Gigue 吉格舞曲  
Sarabande 萨拉班德舞曲  
Gavotte 加伏特舞曲  
Galliard 嘉雅舞曲  
Branle 布朗利舞曲  
Bourree 布雷舞曲  
古组曲一般按照：阿勒曼德—库朗特—萨拉班德—吉格 的顺序构成，有时冠以前奏  
曲或插入其他舞曲。  

速度标记：有些作品每个乐章用速度标记标出；甚至全曲冠以节奏名，如亨德尔的《广板》（Largo）、柴可夫斯基的《如歌的行板》。  
由慢到快依次为：  
Grave 壮板  
Adagio 柔板  
Lento 慢板  
Largo 广板  
Andante 行板  
Andantino 小行板  
Moderato 中板  
Allegretto 小快板  
Allegro 快板  
Vivo 快速而有生气  
Vivace 快速而有生气  
Presto 急板  
有时在这些标记后面加上修饰词，如：Allegro non troppo 不太快的快板  
molto 很  
assai 非常  
meno 稍少一些  
possible 尽可能的  
poco 一点点  
piu 更多一些  
non troppo 但不过甚  
sempre 始终、永远

音 乐 知 识  

1、 音的性质有几种？由于什么不同？  
音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。  
音高，即音的高低，是由发音体的动次数决定的。振动次数多，振频率快，音则高；振动次数少，频率慢，音则低。  
音量，即的强弱，是由发音体振动幅度的大小决定的。振幅大，音则强；振幅小，音则弱。  
音值，即的长短，是由发音体振动时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长；音的延续时间短，音则短。  
音色，即音的色彩，是由于发音体的性质，形状，发音方法及其泛音的多少等而不同。  


2、 乐音与噪音有何不同？二者在音乐中表现如何？  
乐音是发音体有规律振动之后所产生的具有一定音高的音。噪音是发音体无规律地振动而产生的音，它没有一定的音高。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。如戏曲音乐中，使用的锣鼓。它的大锣，小锣，大鼓，小鼓发的音多是噪音。但在其他艺术表现手段的配合下，在塑造人物形象，表现各种思想情感方面，其作用异常明显。

3、 什么叫复合音？复合音是怎样产生的？  
我们平时所听到的某一个音，都不中是一个音在响，而是许多音的结合，这种声音叫复合音。复合音的产生是由于发音体不仅全段在振动，它的各鄣分也分别的同时在振动。  


4、 什么叫基音？什么叫泛音？  
由发音体全段振动而产生的音叫基音。由发音体各部分振动而产生的音叫泛音。  


5、 什么叫乐音体系？什么叫音列？什么叫音级？  
在音乐中使用的，有固定音高的音的总和叫做\"乐音体系\"。乐音体系中的音，按照音高的次序上行或下行排列起来，叫做音列。乐音体系中的每一个音都是音级。  

6、 什么叫基本音级？如何标记？  
由每一音组七个白键组成，具有独立名称的音级叫做基本音级。基本音级的名称是用字母和唱名两面种方式来标记。字母体系：C D E F G A B唱名体系：do re mi fa gol la si  

7、 什么叫变化音级？如何标记？  
较这七个基本音级升商或降低半音，升高或降低全音而变化出来的音级，叫变化音级。将基本音级升高半音用\"升\"或\"#\"来标明；降低半音用\"降\"或\"b\"  来标明；升高全音用\"重升\"或\"╳\"来标明，降低全音用\"重降\"或\'bb\"来标明。  

8、什么叫做八度？  
两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。  

9、 什么叫做音的分组，各组音排列标记如何？  
由于音乐中所使用的88个高低不同的音，只使用C、D、E、F、G、A、B七个名称。为了区分音名相同而音高不同的各音，因此需要将音列分成若干个\"音组\"来加以区别。在音列中央的一组叫小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示。  
依次向右为小字二组，小字三组，小字四组，小字五组，标记法类推。  
比小字一组你的组，依次定名为小字组，大字组，大字一组，大字二组。
小字组各区的音用小写字线来表示，大字组各区的音用大写字母来表。  
　　用钢琴说明如下：


音乐体系 音列 音级  


　　在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。

　　乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。

　　在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。现在最大的钢琴包括有八十八个音高不同的音。除此之外的音在音乐中差不多是不用的。  

　　乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。  

　　乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。  

　　基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。  

　　钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。  

　　两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。  

　　升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明；降低半音用“降”或“b”来标明；升高全音用“重升”或“×”来标明；降低全音用“重降”或“bb”来标明。  

　　在德国体系中，用加字尾的办法来标明变化音级：is（升），es（降），isis(重升)，eses（重降）。  
　但降E不用Ees而用es；降A不用Aes而用as；降h不用hes而用b。  

音 律  

　　乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有\"纯律\" 、 \"五度相生律\" 和 \"十二平均律\"三种。目前被世界各国所广泛采用的是\"十二平均律\"。但\"纯律\"和\"五度相生律\"在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。

  


纯 律  


　　纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。这样便产生了七个基本音级。  

　　根据纯律相生律中的基本音级的音高关系，又不同于十二平均律和五度相生律中的基本音级间的音高关系。它的EF、BC之间的半音比其他两种律制的半音要大。全音的情况有两种：CD、FG、AB为大全音，和五度相生律中的全音相等，比十二平均律中的全音大。ED、GA为小全音，比其他两种律制的全音都小。  

　　前面简略地谈到了各种律制产生的方法和结果，但为什么用不同的方法定律就会产生不同的结果呢？为了说明这一问题，现以e1为例，用纯律和五度相生律的定律方法来进行一次计算。  

　　我们已知纯律是以复合音的第二分音、第三分音和第五分音作为生律要素的，也就是说纯律大三度的振动数比应是5/4。已知振动数比，再由振动数比求得音的振动数是很容易的。  

　　五度相生律是以复合音的第二分音和第三分音为基础，按照纯五度（3/2）的关系连续相生而得。  

　　关于十二平均律，我们已知它是将八度分成十二个均等的部分而成，因此，除一度和八度外，其他各律的音高与纯律和五度相生律皆不相同。  

　　三种律制在实际的应用上各有长处，五度相生律是根据纯五度定律的，因此在音的先后结合上自然协调，适用于单音音乐。纯律是根据自然三和弦而定律，因此在和弦音的同时结合上纯正而和谐，适用于多声音乐。但随着多声部音乐的发展，转调的频繁，加上键盘乐器在演奏纯律上的困难，因而受到很大限制。十二平均律在音的先后结合和同时结合上都不是那么纯正自然，但由于它转调方便，在键盘乐器的演奏和制造上有着许多优点，因此近百年来被广泛采用。  

五 线 谱  
   
　用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。  

     假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。  
　　连谱号包括起线（连结数行五线谱的垂直线）和括线（连结数行五线谱的括弧）两个组成部分。  
　　括线分花的和直的两种。  

　　花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。  

　　直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器，把它们分成完全的或不完全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线（花的或直的）来连接同种乐器。  

　　在总谱中，独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话，左边只画一条起线，而不加括线。  

　　为了标记过高或过低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线叫做加线，在五线谱上面的叫上加线，下面的叫下加线。  

　　由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。  

　　加线和加间的计算方法是：上加线和上加间，由下向上计算，下加线和下加间由上向下计算。  

音乐力度术语  

力度术语说明  
　　音乐作品中，除各种拍子的自然强弱节拍外，在乐曲的进行中还有各种强弱变化，从而对乐曲的内容作更深刻、细致的表达。音乐中对音符和乐段的强弱程度的描述称为力度。  
　　力度术语用意大利语作为国际术语。  
　　力度可分为强弱固定记号、强弱逐渐变化、更换强弱记号和特别加强记号。  
　　在歌曲或乐曲中，如标记某种力度用语，即表示该段音乐要按所标记的力度演唱或演奏，直到换用新的力度术语为止。  


分 类 写 法 （ 或缩写 ） 原 语 意 义 说 明  
固定的强弱记号 PP Pianissimo 很弱 PPP和PPPP表示极弱  
P Piano 弱  
mp mezzo-Piano 中弱  
mf mezzo-forte 中强  
f forte 强  
ff fortssimo 很强 还可用fff和ffff表示极强  
强弱逐渐变化 Cresc 或 < Crescendo 渐强  
decresc 或 > decrecendo 渐弱  
dim 或 > diminuendo 渐弱  
Smor Smorendo 渐消失 有时还兼有渐慢之意  
morendo morendo 渐消失  
更换强弱 fp forte - piano 强后变弱  
piu ff piu forte 较强  
menof meno forte 强度较差 meno是较者  
Sub . p Subito piano 突然较弱  
rf rinforzando 强烈地渐强  
特别加强 Sf 或 Sfz Sforzando 个别音加强 （或译为特强）  
fz forrzando  
ac: A> Accent(法 德） accento (意）重音  
一个五线谱四分音符上加短横线 稍强

难道这是为了看乐谱的必备知识吗？

乐理——  
1.包括：音乐语言的表现功能、音的分组、十二平均律、自然半音和自然全音、变化半音和变化全音、音符与休止符的正确写法、变音记号、音乐体系、音列、音级、音律、纯律、五线谱、音乐力度术语、分 类写法（或缩写）原语意义说明  


音乐语言的表现功能  

　　作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。  

　　【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。  

　　【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。  

　　【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做\"拍子\'\'，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。  

　　【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。  

　　【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。  

　　【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。  

　　【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。  

　　【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。  

　　【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。  

　　【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。  

　　音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。  


音 的 分 组  

　　前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个\"组\"。  

　　在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。  

　　比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。  

　　小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。  

　　比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。  

　　小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。  

　　大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。  

　　大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。  


大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。  

十二平均律  

　　将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。  

　　十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载（土育）（1854年）。
半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。  

　　在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。  

在钢琴上，相邻的两个琴键（包括黑键）都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成。  


自然半音和自然全音 变化半音和变化全音  

由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。自然半音可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级与变化音级形成。  

由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。自然全音和自然半音一样，可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级别变化音级形成。  

由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。变化半音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级形成。  

由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。变化全音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级与变化音级形成。  

自然半音和变化半音、自然全音和变化全音，是两种性质完全不同的半音和全音，不应有所混同。  


纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。这样便产生了七个基本音级。  

根据纯律相生律中的基本音级的音高关系，又不同于十二平均律和五度相生律中的基本音级间的音高关系。它的EF、BC之间的半音比其他两种律制的半音要大。全音的情况有两种：CD、FG、AB为大全音，和五度相生律中的全音相等，比十二平均律中的全音大。ED、GA为小全音，比其他两种律制的全音都小。  

前面简略地谈到了各种律制产生的方法和结果，但为什么用不同的方法定律就会产生不同的结果呢？为了说明这一问题，现以e1为例，用纯律和五度相生律的定律方法来进行一次计算。  


我们已知纯律是以复合音的第二分音、第三分音和第五分音作为生律要素的，也就是说纯律大三度的振动数比应是5/4。已知振动数比，再由振动数比求得音的振动数是很容易的。  

五度相生律是以复合音的第二分音和第三分音为基础，按照纯五度（3/2）的关系连续相生而得。  


关于十二平均律，我们已知它是将八度分成十二个均等的部分而成，因此，除一度和八度外，其他各律的音高与纯律和五度相生律皆不相同。  


三种律制在实际的应用上各有长处，五度相生律是根据纯五度定律的，因此在音的先后结合上自然协调，适用于单音音乐。纯律是根据自然三和弦而定律，因此在和弦音的同时结合上纯正而和谐，适用于多声音乐。但随着多声部音乐的发展，转调的频繁，加上键盘乐器在演奏纯律上的困难，因而受到很大限制。十二平均律在音的先后结合和同时结合上都不是那么纯正自然，但由于它转调方便，在键盘乐器的演奏和制造上有着许多优点，因此近百年来被广泛采用。  



音符与休止符的正确写法  


　　在记谱法中，音符与休止符的写法，与音乐的构思、音符与休止符在五线谱上所处的位置有着密切联系。正确的记谱，其目的是为了能简单明了、科学合理、准确地反映音乐思想。  


　　关于记谱问题，情况异常复杂。这里只能将音符与休止符的写法的基本规则叙述如下：  


　　音符包括三个组成部分。符头（空心的或实心的椭圆形标记）、符干（垂直的短线）和符尾（连在符干一端的旗状标记）。  
音符的符头可以记在五线谱的线上与间内。符头在五线谱上的位置愈高音愈高，反之音符符头的位置愈低音也愈低。  


　　用音符干记谱，符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边；在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边。符头在第三线上，符干朝上朝下都可以，根据邻近的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并弯向符头。假如同一符干连着许多符头而又分布在第三线的上下时，则以离第三线最远的符头为准。许多音符组成一组时，用共同的符尾（符杠）相连。这时符干的方向仍以离第三线最远的符头为准。两条以上的符杠要平行。

单声部音乐永远用单符干记谱。多声部音乐只有在节奏相同的情况下，才可以用单符干记谱。节奏不同时，则用双符干或多符干记谱。用双符干记二声部乐曲时，高声部符干朝上，低声部符干朝下，声部交错时，其原则不变。  


　　符干的长度一般应保持八度音程的距离，假如符干连着许多符头时，符干的长度应是符头间的距离加上八度音程的距离。如果符头在上加三线以上，符干必须延伸到五线谱的第三线或第四线。如果符头在下加三线以下，符干必须延伸到五线谱的第三线或第二线。音符如果带符尾，则符尾形状不变。许多音符用共用符尾连结在一起时，符干长度多半长短不一，这时要使符杠与最近符头的距离至少距离八度。符杠的方向与符头的总趋向基本平行。由于谱面狭窄至少距离八度。符杠的方向与符头的总趋向基本平行。由于谱面狭窄及其他种种原因，不可能遵守上述规则时，适当缩短或伸长符干长度是完全可以的。  
附点写在音符符头和休止符右边的间内，而不记在线上。  


休止符在单符干记谱中，永远记在第三线上，或靠近第三线的地方。二分休止符写在第三线的上面，全休止符写在第四线的下面。在双符干记谱中，各声部共同休止时，休止符的记法与单符干记谱相同。个别声部休止时，休止符写在五线谱的边缘，或五线谱之外。这时全休止符和二分休止符要使用加线。全休止符写在加线的下面，二分休止符写在加线的上面。  



变 音 记 号  


　　用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。  



　　变音记号有五种：  


　　升记号（#）表示将基本音级升高半音。  
　　降记号（b）表示将基本音级降低半音。  
　　重升记号（×）表示将基本音级升高两个半音（一个全音）。  
　　重降记号（bb）表示将基本音级降低两个半音（一个全音）。  
　　还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。  

　　变音记号可以记在五线谱的线上和间内；可以记在音符的前面和谱号的后面。  
记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。  


　　更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换  
　　的调号予先记写清楚，并将最后一条小节线向前移，以便记写新调的调号。  


　　增加原有升号或降号的数目。这时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。  

　　减少原有升号或降号的数目。这时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。  

　　升号变降号或降号变升号。这时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原，在小节线的右边写出新调的调号。  


　　直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只  
到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。

倾听音乐——艾伦·科普兰 丁少良 译——如何理解音乐  

    所有关于如何理解音乐的书都同意下列观点：读这样一本书并不能加深对这门艺术的理解。如果你要更好地理解音乐，再也没有比倾听音乐更重要的了。什么也代替不了倾听音乐。我这本书所讲的一切都是关于在本书之外才能找到的体验。除非你下定决心倾听比过去多得多的音乐，否则读这本书可能是白费时间。我们所有的人，不管是专业人员还是非专业人员，都力求不断加深自己对这门艺术的理解。读一本书有时会对我们有所帮助。但什么也代替不了需要首先考虑的一个问题：即倾听音乐。  

    幸运的是，现在听音乐的条件比过去好多了。随着收音机和唱机，更不用说电视和电影，所提供的好音乐愈来愈多，差不多每个人都有机会听到音乐了。事实上，正像我的一个朋友最近所说的，现在每个人都有听不懂音乐的机会了。  

    我经常有一种把正确理解音乐的困难加以夸大的倾向。我们作为音乐家经常碰到一些老实人，他们总是以这种或那种方式说：“我很喜欢音乐，可就是对音乐一窍不通。”我的剧作家和小说家朋友很少听到有谁说：“我对戏剧和小说一窍不通。”不过我非常怀疑这些在音乐方面如此谦虚的人，是否有同样多的理由对其他的艺术也表示谦虚；或者说得好听一些，是否没有多少理由对理解音乐表示谦虚。如果你对音乐的反应能力持有自卑感，最好把它丢掉。这些自卑感常常是毫无根据的。  

    无论如何，在你对“有音乐才能”的含义有所理解之前，没有理由为自己的音乐才能感到灰心丧气。关于“音乐才能”是由什么组成的，流传着许多奇怪的看法。人们常说，“他或她看了一次演出，回家后就能在钢琴上把所有曲调弹出来”，以此证明某人肯定有音乐才能。单凭这个事实的确说明这个人有一定的音乐才能，但这并不表明他具有我们将要在这里讨论的那种对音乐的敏感性。善于模仿的表演者还不是演员，而音乐的模仿者也不一定是音乐才能很强的人。另一种看法力图以具有绝对音高的听觉作为音乐才能的标志。当你听到a1时能把它辨别出来，有时是有用的，但当然不能单凭这一点就说你有音乐才能。这只能说明你有那么一点音乐辨别能力，与我们这里所要讨论的对音乐的真正理解关系不大。  


    不过，对具有高度潜在的理解力的聆听者有一个最起码的要求：当他听到一支旋律时必须能够把它辨认出来。如果有“音盲”这种事情，那就意味着无辨认曲调的能力。我对这种人表示同情，可能爱莫能助。正像色盲无助于画家的命运一样2。不过你要是有把握辨认一支特定的旋律——不是唱这支旋律，而是当有人弹奏它的时候能辨认出来，即使在间隔几分钟之后并在弹奏几支不同的旋律之后也能辨认——你就掌握了深入理解音乐的钥匙。  

    只能听到存在于不同时刻的音乐还不够，还必须能够把任何特定时刻听到的音乐与在不久前刚听到的和即将要听到的音乐联系起来。换句话说，音乐是一种寓于时间中的艺术。从这个意义上说它像一本小说，只是小说里描述的事情比较容易记住，这一方面是由于它叙述了实际发生的事情，另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这些情节。音乐所描述的“事情”从本质上说是比较抽象的，要像读小说那样把它们在自己的想象中聚集在一起并不那么容易。因此你必须能够辨认一支曲调。因为在 音乐中取代情节地位的一般是旋律。旋律通常是聆听者的向导。如果你一开始就不能辨认一支旋律，后来又不能自始至终追随它的行踪，我觉得你就没有必要再听下去了。你只不过是模糊地感觉到音乐的存在而已。可是能够辨认一支曲调意味着你知道自己正在听的乐曲是该曲的哪个部分并很可能知道此后你将听到什么。这是以更明智的方法理解音乐的唯一的必要条件。  

    某些思想流派倾向于强调聆听者实际的音乐体验。他们的意思是说，用一个手指在钢琴上弹《老黑奴》，也比读十几本书更接近于理解音乐的神秘性。当然，用手指啄一下钢琴，甚至具备中等的钢琴弹奏水平都不会有什么害处。不过作为音乐的入门我对此表示怀疑，因为许多钢琴家尽管花了一辈子时间去弹奏一些巨作，总的说来他们对音乐的理解也仍然是很肤浅的。至于那些音乐普及工作者，他们一开始就用一些天花乱坠的故事和描述性的标题来解释音乐，又在名作的主题上加些打油诗作为结束——这种“解决”聆听者问题的办法根本不值一提。  

    没有一个作曲家相信在更好地理解音乐方面有什么捷径可走。对聆听者所能做的唯一的事情就是指出音乐中实际存在着什么，并合理地解释其原因何在。其它的都必须由聆听者去做了。