第六章 17世纪的器乐

直到17世纪时，器乐才真正获得独立的地位。

在法国，拨弦古钢琴的地位居于首位。17世纪初曾流行鲁特琴，后来被拨弦古钢琴所取代。值得注意的是：鲁特琴的一些作曲技法也被拨弦古钢琴所采用。17世纪时，库普兰家族擅长拨弦古钢琴。库普兰在音乐史上起了重要意义。他为古典时期开辟了道路。除了拨弦古钢琴师，法国还有一个卓越的管风琴学派。而管乐在宫廷的节日中尤为重要。而在意大利，小提琴开始兴旺。奏鸣曲与组曲出现而且联系紧密。17世纪和18世纪初期，意大利除了有著名的小提琴家外，还有几位著名的管风琴师和拨弦古钢琴师。

小提琴奏鸣曲在德国的主要代表作曲家是比贝尔，无伴奏的发明者，巴赫的前辈。当时有一位音乐评论家马特逊说了一句名言：“内心的活动应优先于手指的活动。”

第七章  巴赫和亨德尔

直到18世纪初，德国的音乐是比较差的，直到出现两位巨人：就是巴赫和亨德尔。巴赫的前辈们都达到了很高的水平，而到了巴赫，就达到登峰造极的地步了。与巴赫同一时期，法国有着拉摩、意大利有着斯卡拉蒂。巴赫认真学习过传统。（巴赫的生平就不介绍了，大家都知道）巴赫在逝世50年里一直被埋没，直到1789年的某一天，莫扎特路过莱比锡，他听了有人弹的巴赫的曲子。莫扎特不禁感慨：“我终于听到新鲜的东西了，我终于学到东西了。”以后，门德尔松和舒曼发起了学习、演出巴赫作品的运动。巴赫信仰宗教，为教堂写作了大量清唱剧。这不仅仅是他的职业的原因，他在思想上就是把对宗教的无比热爱和自己对音乐的无比虔诚融为一体的。

亨德尔的一生与巴赫非常不同，他一生都在追求功名利禄。亨德尔的作品首先反映他的内心。他是一个具有强烈感情的人，他不屈不挠。亨德尔的大部分音乐作品与巴赫都是相对的。亨德尔经常为上流社会作曲，作品也是富丽堂皇的。

第12章  海顿与莫扎特

德国的古典音乐主要是奥地利式的和维也纳式的。海顿、莫扎特和贝多芬都曾经在维也纳生活过。奥地利的首都位于德国和意大利之间，因此他同时受到德国与意大利的影响。这种局势使它在18世纪末页的音乐生活中起了重要的作用。事实上，它是两种艺术的融合。即一种较为严肃、深刻的德国北部艺术，与另一种较为轻松、浅显的意大利艺术的结合。这样就产生了撞击的火花。

海顿与莫扎特是同时代人。海顿非常欣赏莫扎特。莫扎特也把一些作品题献给海顿。当莫扎特看到海顿远赴英国时，担忧此行可能永远看不到面了。事实上，这的确是最后的诀别。但当时谁也没有想到：当海顿重返维也纳时，他再也看不到他那年轻的朋友了。

海顿1732年3月31日至4月1日的夜间，生于匈牙利边境下奥地利的一个小村罗劳。海顿的学艺过程也比较坎坷，他是个正直和善良的人，他自信而又信任他人，但他缺乏激烈的情感。海顿是一位虔诚的教徒，但他的宗教音乐却很一般。宗教在他的思想和感情中未占很大的地位。海顿只创作了两部成功的清唱剧，就是《创世纪》和《四季》。但海顿对古典奏鸣曲与交响曲的形成起了重要作用。只有在交响曲和四重奏里，海顿才显示出他的真正实力。海顿的作品很平和，使人心旷神怡，但缺乏激情和悲剧性的心灵。（待续，本章未完，明天谈莫扎特）

我觉得音乐史主要是说明音乐这门艺术发展的规律性，它注重艺术规律。
对某些细节的研究就得看音乐美学方面的书籍了。
音乐史更注重客观性，而美学方面的讨论和争论更注重思想性。
这方面的书籍我也要学习。
抄完这本书，我还要抄一本书，这本书是讲大部分著名古典音乐作品的历史背景的，
这本书也是注重客观性的。抄书对我是一种很好的学习。

第十章   从格鲁克到梅于尔

格鲁克1714年7月2日生于离波西米亚边境不远的魏徳旺。他是一个猎场看守人的儿子。1736年他来到维也纳，他受到伦巴第的王子梅尔基的重视。梅尔基王子把格鲁克带到米兰，在那里的四年中，格鲁克一直从萨马蒂尼为师，萨马蒂尼在交响乐和弦乐四重奏方面是海顿的先驱者之一。1741年，格鲁克开始创作戏剧，他的《阿尔泰赛思》获得成功。

1745年，当时已成名的的格鲁克应邀去伦敦，途径巴黎时，他听了拉莫的作品，当他来到英国时，那时也是亨德尔成就最辉煌的时期。格鲁克在伦敦上演了两部歌剧。分别是《巨人之崩溃》和《阿塔梅尼》（1746）。但格鲁克并没有获得比较大的成功。后来，格鲁克经常往返于意大利和奥地利两地演出。他演出了大量意大利风格的歌剧，获得巨大成功。

1787年11月15日，格鲁克走到生命的尽头。在他的坟墓上刻着这样的碑文：“音乐艺术大师克里斯多夫.埃.格鲁克爵士，一个正直的德国人，虔诚的基督教徒，忠实的丈夫长眠于此，卒于1787年11月15日。”

现在，就让我们来阐述和评价一下格鲁克的戏剧体系。格鲁克表明：“我打算避去所有那些因演员过于炫耀声乐技巧和作曲家的过分讨好观众而在意大利歌剧中所造成的流弊，他们那样做的结果，使得在所有戏剧中最豪华、最壮观的意大利歌剧变成最令人厌倦、最荒唐可笑的表演。我力图使音乐回到它应有的功能上去。即配合诗歌的功能，不用多余的装饰音造成中断和冲淡剧情，以便加强感情的表达和场景的效果。我认为，音乐应该使诗歌增色。

显然，格鲁克遵循着古老的法国传统，因此使音乐为诗歌和戏剧服务。格鲁克在某些方面也做了比较大的革新，他在某些方面也背离了吕里和拉莫的传统。格鲁克喜欢更简朴和通俗的音乐。格鲁克也想使戏剧象音乐一样简朴，他喜欢古代的题材和悲剧。他对古希腊有着深刻的研究。另外，激动的感情表现在格鲁克的歌剧中占有十分重要的地位。这是吕里和拉莫所没有的。格鲁克有着一套完整的戏剧体系。

音乐史上的一个时期结束了，在格鲁克之后结束了。这时，出现了一位第一流的作曲家梅于尔（1763年生于吉韦，1815年死于巴黎。）梅于尔继承了格鲁克的传统，他的作品具有格鲁克那样的朴实和高尚。但没有那么纯正，不过他更富于感情，并探求配器法中的色彩。

另外，在德国，莫扎特、贝多芬、韦伯正酝酿交响歌剧——浪漫歌剧的诞生，而瓦格纳更使它获得了如此卓绝的发展。

这就是音乐悲剧的终结。它由佛罗伦萨乐派和蒙特威尔第创立，通过了格鲁克的天才而达到了它最完美的形式。

第11章  交响乐的起源：古典奏鸣曲

正如在法国那样，格鲁克继承了吕里和拉莫，在德国则是海顿和莫扎特紧随着巴赫和亨德尔而问世，这是另一个时代的开始。

法国人特别喜欢戏剧音乐，而对于“纯音乐”不太感冒。因此，古典时代最伟大事件之一，交响乐的诞生，不会出自法国，是德国取得了赋予这一新的艺术体裁以生命的荣誉。

对于这一方面，德国也不是唯一的创造者，它受到来自法国和意大利的影响。在17世纪，几乎全部的法国交响乐的素材都来自舞蹈，不管怎样，吕里已经建立了管弦乐队的形式，这是一个巨大的成就。人们从欧洲各地来向他表示敬意。

作为交响乐的摇篮，是在德国。这一巨大的创造，一方面是因为德国人的才华。而另一方面是由于他们的那些特殊的客观条件。

实际上，德国人有着一种好沉思默想、深省的内向之感，喜欢幻想，多愁善感；毫无疑问，正是这种性格使他们特别喜爱一种排除一切外在的兴趣而本身具备自我发展的基本要素的音乐。到1745年左右，交响曲在德国已是一种相当流行的体裁。

C.Ph.埃.巴赫在他生前所得到的名声，远远超过了他父亲J.S.巴赫。这一位音乐家在今天之所以被我们提起，主要是他在音乐历史上的重要性。他是奏鸣曲体的发明者。特别是作为贝多芬的先驱，贝多芬自他那里得到很多方法上的借鉴。但是C.Ph.埃.巴赫缺少一种把他的意图发展到顶峰的构筑力量。他没能写出音乐史上不朽的篇章。

在古典奏鸣曲体的结构法则一旦确立之后，我们可以把它的特征归纳如下：

（1）
古典交响曲是按照三段体对称的结构形式，而并不按照以前的二段体对称的方式，它主要包括三个乐章，次序排列是：快、慢、快。

（2）
在歌剧风格的影响下，古典奏鸣曲主要变为主调音乐。

（3）
在这种古典奏鸣曲中，发展部分成了一种远较以前更为精微细致的艺术。

古时的奏鸣曲是为独奏、二重奏、三重奏的表演而写。可以用乐队伴奏也可以不用。不管怎样，乐队只不过起次要的伴奏作用。为乐队而写奏鸣曲或是交响曲这是一种新鲜事物；为两把小提琴、中提琴和大提琴而写奏鸣曲，或即四重奏同样是新鲜事物。除了四重奏和交响乐曲之外，人们继续使用一些古时体裁的乐器：人们仍然写作协奏曲，二重的或者三重的奏鸣曲。人们还为激弦钢琴和其后的钢琴独奏写作奏鸣曲。上述的这些曲体，取得了日益重要的地位，并成为贝多芬所喜爱的一种表现方法。

要创作古典交响曲和奏鸣曲，那种浅尝即止的试图是达不到的。必须赋予它们生命力。只有象海顿、莫扎特和贝多芬这样一些伟大的德国天才才能做到这一点。

有法国中心主义的味道。

有法国中心主义的味道。
桂猪 发表于 2011-5-1 13:08

桂猪兄是认真看这个帖子的。很高兴。这本书作者就是法国人，很大一部分是谈法国音乐史的，我已经调整了一下。

第九章  18世纪的法国喜歌剧和意大利诙谐歌剧

由于18世纪初叶的歌剧单调而又做作，吕里去世后，伟大的音乐家青黄不接，喜歌剧得以风行起来。喜歌剧是一种源自民间的艺术体裁，它最早的观众是庙会上的观众。1716年，喜歌剧诞生。

直到那时，喜歌剧还几乎是一种兼有对白和歌唱的喜剧和闹剧。总之，音乐在里面是不受重视的。这类作品的整个价值之优劣取决于写作朗诵词或歌词的脚本作者的智慧。

最早的喜歌剧音乐是由下列内容组成的：

1、流行的著名歌剧选曲
2、“滑稽歌舞剧”，就是一些通俗的民间曲调，而往往非常古老。
3、“新曲调”用作独唱，独舞或合唱。

但是从音乐的角度来看，喜歌剧这种体裁仍然是微不足道的。为了寻求完美发展的道路，还应当学习意大利。

同时，意大利诙谐歌剧则自大型歌剧，正歌剧中诞生了。最早的意大利歌剧是悲剧，诙谐歌剧由此发展而来。诙谐歌剧包括一首通常较短的序曲。许多形式多种多样的咏叹调。以及比正歌剧中更为轻松，更为活跃，并更为接近于口语的朗诵调。诙谐歌剧的主题都是现实性的，取材于市民和农民的现实生活。意大利诙谐歌剧具有优点是：富有活力、生活气息浓厚，色彩丰富、变化多端。

在法国，从18世纪后半页起，喜歌剧的成功对于歌剧风格产生了很大影响：它使群众习惯于非常易懂、非常质朴、非常通俗的音乐。改变了传统那种非常庄严和深奥的倾向。

我到现在还没有认真看过一部音乐史，这一点要向你学习。
我对音乐观念、音乐美学方面的东西更有兴趣，对于有些论题比一般音乐史里的仅现象的泛泛描述要更了解一点背后的故事。比如说，上文所述，复调的流行和器乐的兴起，这个在音乐史里可能不会展开讲，但是音乐观念史和音乐美学史里就会讲得清清楚楚，它们都伴随着旷日持久的争论。

第八章 拉摩

1683年拉摩出世，他的父亲是管风琴师。1702年，拉摩继承了他父亲的事业。拉摩在克莱尔蒙任管风琴师。他创作了一部著作：《拨弦钢琴集》，还有三部清唱剧。

1715年，他完成了《和声学基本原理》。1722年出版。1723年，拉摩去到巴黎，出版了《音乐理论的新体系》，书中简明地阐述了他对和声的看法。他也出版了第二部《拨弦钢琴曲集》。

拉摩说：我直到50岁才创作歌剧。由于他长期不断的努力，他出版了36部歌剧。但他没有停止对音乐理论的研究，继续出版和声体系方面的著作。他于1764年80岁时去世。

作为一个艺术家，拉摩最突出的是他那超出常人的智慧和气质。他是一位彻底探求自己一生的思想家。他声称只要彻底了解自己的艺术，就会成为整个艺术的主宰。拉摩是一位令人钦佩的音乐理论家。是他确立了古典和声的基本原则。

莫扎特1756年1月27日生于萨尔兹堡。他是神童，三岁会弹钢琴，6岁创作了一首小步舞曲。莫扎特10岁时写下了他的第一步清唱剧。1768年12月7日，他12岁时亲自指挥了他的《庄严弥撒曲》。不久，他被任命为萨尔兹堡大主教的乐队长。此后，小莫去了意大利，处处受欢迎。1773年，在他18岁时，他已创作了200多部作品，但任何一首还不过只是预示了他的光辉未来。1781年，他写了《后宫诱逃》。

但是当莫扎特的艺术真正成熟时，人们却轻视这位天才，这使得海顿非常愤怒：“我非常气愤，举世无双的莫扎特竟不能为皇家或王室宫廷所接纳，请原谅我如此的愤怒，因为我太爱此人了。”1786年，莫扎特根据博马舍的原作写了《费加罗的婚礼》。不久又创作了《唐璜》，1789年，由于格鲁克的去世，皇家宫廷作曲家的职位就由莫扎特接班了。很快，在莫扎特的《安魂曲》还没完成时，他已心力交瘁，于1791年12月5日去世。这样一个温和可亲的人，象孩童那样热情无邪，而又充满自信、仁慈、快乐的心灵，就此远离人间了。

莫扎特创作了600多部作品，各类体裁他都很擅长。在他身上，灵感不是经过苦思冥想而来，不是经过智力和意志同大自然的斗争后才在头脑中显现的，灵感也不是在过分的激情和狂热的状态中表示出来，正相反，它似乎处于通常的环境下，平衡的状态中，酷似宁静的泉水涓涓不绝，无穷无尽。

就音乐曲式演变的观点来看，莫扎特是一位伟大的革新者。《后宫诱逃》由于“采用新颖的和声法和那时还为人所陌生的独创的配器手法，因而令人惊异不止。”莫扎特也是“德国歌剧”的奠基人，德国的戏剧音乐直到莫扎特前，还只是盲目地抄袭意大利人。莫扎特在戏剧创作上强调交响乐的重要性，因而他仍属德国乐派。

古典主义时代是随着海顿和莫扎特而开始的，同时也差不多随着他们而结束。确切地说：贝多芬实际上只是在他的初期作品中才是严格意义上的古典主义乐派，后来在创作上就越发展越自由，他的天才也就越无拘无束地表达他自己的激烈的个性。