joyjscz 发表于 2018-3-13 17:12
报告八爷：
我在听光悦BLUE LACE＋气浮臂＋多能仕组合。

晚上好，
您说得是SPU 85 周年纪念唱头吧！就是图片中这一颗。这是SPU纪念唱头中最成功的一颗，用山毛榉制作线圈是铜金合金，限量500颗。这个唱头除了有传统的SPU唱头中频浓郁和肉头厚以外还有一种特别艳丽的味道，很容易让人中毒……有几分以前光悦老红木唱头的中频味道但是密度更高，声音更饱满。因为SPU唱头针压普遍可以达到3.5克。我也是听过后马上倒下乖乖收藏了2颗。。。后续的90周年纪念唱头我也收藏了味道就清丽许多。还有95周年唱头不过没听过

就是图中这个高度风适配唱臂，与一般的唱臂安装不同，是SME吧？一共有几个型号适配高度风的老派唱头？现在还有出么？

joyjscz 发表于 2018-3-13 21:25
就是图中这个高度风适配唱臂，与一般的唱臂安装不同，是SME吧？一共有几个型号适配高度风的老派唱头？现在 ...

SPU 85唱头内阻3.5欧；输出0.4mV，这种类型的唱头最佳搭配就是ortofon 309i 唱臂。如果是SPU A头最佳搭配就是ortofon 297唱臂。SME 3009和3012都可以配85周年纪念唱头那样的头。这些唱臂早就不生产了只能找二手的，镀金版的那更是可遇不可求。

近日翻看以前贴子，感觉八爷很喜欢贝多芬的小奏。
立体声版本中，我与大家一样非常喜欢大卫＆奥伯林版、格鲁米欧＆哈斯基尔版、谢林＆海布勒版，一度认为这个作品有这三个版就够了。
其中大卫版我手上不仅有飞利浦的绿盒子套装，还收到了法国公司的头版，声音密度远胜于前者，感觉音质无出其右非常珍视。

还有一个立体声版本我觉得值得收藏的是CBS的弗朗西斯卡蒂与卡萨德许的版本，法国式演绎细腻浪漫优雅，另有一番韵味。

另外一个非常珍贵的版本是MONO，克莱斯勒与Rupu合作。与克莱斯勒的贝小协一样，在我心目中从音乐的表达来说这个是最佳版本，家里有MONO唱头的爱乐者务必拥有。

joyjscz 发表于 2018-3-14 10:28
近日翻看以前贴子，感觉八爷很喜欢贝多芬的小奏。
立体声版本中，我与大家一样非常喜欢大卫＆奥伯林版、格 ...

周末好！
贝小奏我听格鲁米欧/哈斯基尔组合多一点，我是觉得这套的艺术性和音乐性较合胃口。音色暗暗的诠释作品内涵比较到位！很容易让人进入状态。有一次我放这张唱片给妈妈听（妈妈以前是钢琴老师）听到春天这段她说真的感觉得到春天生机勃勃春意盎然……音乐真的能带给我们美妙的感觉。
至于单声道唱片我想如果玩黑胶时间够久的话应该不会少吧！单声道唱片一定要用单声道唱头来播放…你用放大镜看刻在唱片槽里的纹路。立体声和单声道完全不一样的！只要听过单声道唱头播的单声道唱片…那种味道！！！我不形容了。听过自然明白，哈哈哈
周末愉快

MONO片必须要用MONO头来播放，这一点我也深有体会。
听烧友说过好几次某些MONO片用立体声头来播放会更好，我试过多次都觉得不理想。虽然借助立体声头的高素质，高频更好解析力更高，但中低频表现不佳，整体平衡度还是不对。

我现在使用两个MONO头。
一个是LONDON动铁头，输出很大，不用升压牛直接唱放，声音老派耐听，播放四十年代前的早期MONO录音非常纯正。
另一个日本MlYAJlMA头，需要用升压牛，解析力高，声音偏现代，针压可以3．2克左右，听五六十年代的录音水平好的MONO碟更有优势。

我收藏的单声道黑㬵唱片数量大约只占总数的二成左右，但是在我的心目中的份量至少有五成甚至更高。
某种程度上，黑胶的艺术价值是因为大量丰富的单声道历史录音保存至今而大放异彩。

上世纪二十年代至五十年代是老一一辈有幸留下录音的音乐大师们的黄金年代。富特、托斯卡尼尼、科尔托、施纳贝尔、卡萨尔斯、克莱斯勒……包括卡拉斯、肯普夫等很多音乐家的黄金时期也在MONO时期。
德奥主要作品的最佳演绎版本也是MONO时期更多一些。

从音效上来说，同一个录音黑胶对比于数码时期的CD，立体声录音上略有胜出或者是各有所长，MONO录音上黑胶的优势甚是明显。

所以对于接受不了MONO音效、感受不到历史录音艺术价值，已经有一定CD藏量的烧友，我不太建议一定要赶时髦入黑，除非经济很宽裕。

桂花田 发表于 2015-12-23 16:27
八缸老大，看到你有很多麦景图。请教下，麦景图推66000怎么样？非常感谢！

老麦的功放从2000年后声音有了明显变化，不在强调中频浓郁或是过分强调音色了。以前老麦的标签好像是肥，慢，朦。。。现在完全不是这样了。听起来好似味道淡了一些其实声音更平衡。老麦的机器有个特点：功率越大的声音越精致，音场的塑造能力越强！S/N比还能做到124db以上，确实非常厉害。
我主要用MC1.2K和MC2301分别搭配66000前级是C1000三件套。根据不同的唱片自由搭配。交响，歌剧一类大场面的用MC1.2K推。小品，独奏类讲究音色的用MC2301推！总体来说用C1000T➕MC1.2K前胆后石比较多。MC2301一开机16个KT88热量实在太厉害了……
二者搭配正好用老麦大功率后级的精致音色和控制力于66000的双15低音和4寸号角形成互补…实际听感还算比较平衡的。我用66000应该蛮早的，这个箱子由于设计的原因造成低音偏少，偏紧…后续的67000就补上这个漏洞了更加容易推好。要彻底完好，玩尽66000只有电分一条路，因为没有一台功放能做到既要顾得上他的4寸号角要的音色还要同时具备超强的控制力去控制双15寸低音喇叭……我尝试过双功放推和电分推：如果说双功放推能提高10%～15%的话电分能提高30%
按照我的实际经验老麦配66000完全没问题！
回复晚了，请见谅:

最喜欢的黑胶唱片（19）
COLUMBIA SAX 2275 立体声水蓝银标
Dvorak：  New World
Smetana： The Moldau（Vltava）

德沃夏克是十九世纪捷克最伟大的作曲家之一，捷克民族乐派的主要代表人物。
由于德沃夏克的交响曲深受古典乐派的影响，所以他的作品结构坚实、牢固。另外，由于他具有天生的旋律才能和丰富、敏锐的旋律感， 因而他的作品充分发挥了旋律的魅力， 而不像传统的古典交响乐那样单纯地发挥技法。这就是德沃夏克交响曲的特殊之处。 德沃夏克的管弦乐法，并不反映当时的潮流， 虽然没有华丽绚烂的色彩，却显得十分朴实可爱。
1892年，美国纽约国家音乐学院重金聘请德沃夏克出任该院的院长，德沃夏克应邀赴美。这部《第九交响曲》是德沃夏克在美国停留的将近三年中、在1893年五月完成的作品，也是作曲家在美国创作的最重要的作品。第九交响曲于1893年12月16日由安东·赛德指挥纽约爱乐乐团在美国最高级别的音乐厅--卡耐基音乐厅进行首演。首演获得了极大成功，观众对这部作品好评如潮，热情达到了无以复加的地步。纽约的乐评人也对e小调第九交响曲极尽溢美之词，称“没有任何一个作曲家在美国取得如此成功”。纽约音乐界沉浸在一片兴奋之中，德沃夏克本人也承认，自己受到的赞美“就像马斯卡尼在维也纳一样”。
贝多伊齐·斯美塔那（Bedoich Smetana,1824-1884），捷克著名的民族乐派作曲家。刻骨铭心的离别，诞生振聋发聩的作品，尤其是远离祖国，漂泊异乡，那种悲凉、痛楚是揪心的，那种忧郁、眷念是无以形容的。交响诗套曲《我的祖国》就是这样一部作品。全曲共6首，其中最撼人心魄的就是第2首《伏尔塔瓦河》。斯美塔那通过对这条波西米亚民族的母亲河的描写，表达了他对祖国壮美山河的深深热爱和眷恋。
      选这张唱片作为继续写下去有几层含义：二位音乐家都是捷克人，布拉格是我最愿意呆的城市。因为那里有最好的啤酒。很多人认为德国的啤酒是欧洲最好的其实欧洲人均消费啤酒量最高的就是捷克，皮尔森啤酒更是里面的翘楚。几年前我去布拉格呆了一周把前前后后喝过的啤酒味道全部记录下来，一共有16个品种。其中有一个C字打头白底的品牌；他的生啤味道极其的鲜美，真有那种含在嘴里舍不得咽下去的感觉…哈哈。
其二新世界寓意将重新投入这个平台和各位新老朋友畅聊音乐，其实根本没离开过就像斯美塔那思念故乡那样；一直牵挂着……

最喜欢的黑胶唱片（20）
COLUMBIA SAX 2401 立体声水蓝银标
Chopin：SONATA No.3 in B minor FANTAISIE in F minor

智利钢琴家克劳迪奥·阿劳（Claudio Arrau León）1903年2月6日生于智利奇廉。他的演奏范围很广，从巴洛克到20世纪的古典音乐均有建树。他被认为是20世纪最伟大的钢琴家之一。阿劳的父亲卡洛斯·阿劳(Carlos Arrau)是一名眼科医生，他的母亲卢克利希亚·利昂(Lucrecia León)是一位钢琴老师。他的家庭属于智利南部的一个古老而显赫的家族。他的祖先洛伦佐·德·阿劳(Lorenzo de Arrau)当年受西班牙国王卡洛斯三世的派遣来到智利。阿劳是一位神童，5岁便开了第一场个人音乐会，当时的曲目包括贝多芬、莫札特和李斯特的音乐。7岁由智利政府出资公费到德国学习，师从马丁·克劳泽(Martin Krause)。马丁·克劳泽曾是弗朗兹·李斯特的学生。阿劳11岁时即可演奏李斯特的超技练习曲和勃拉姆斯的帕格尼尼变奏曲。在马丁·克劳泽去世后，阿劳靠个人努力展开了职业钢琴家的成功之路。1935年，阿劳在柏林举办了12场音乐会演奏巴赫的全套键盘作品，取得极大成功。之后第二年，阿劳举办了莫扎特的全套钢琴作品音乐会，紧接其后的还有舒伯特和韦伯的作品系列音乐会。1938年，阿劳在墨西哥城举办了贝多芬全套钢琴协奏曲和奏鸣曲的系列音乐会，这是他第一次全身投入地把自己与贝多芬紧密地联系在一起。在后来的日子里，阿劳曾多次举行贝多芬全套钢琴协奏曲和奏鸣曲的系列音乐会，包括在纽约和伦敦这样的音乐重镇，被公认为二十世纪贝多芬作品的权威演绎者。阿劳曾经为彼得斯出版社修订了他注释的贝多芬钢琴奏鸣曲全集的乐谱，并留下了很多脍炙人口的唱片，他演奏贝多芬、勃拉姆斯、李斯特、舒曼、肖邦、舒伯特和德彪西等人作品的录音非常有名。他的演奏忠于原谱但富于个性，而又充满激情。阿劳的琴声与众不同，他的音色丰富、左手声音厚实，右手声音透明。对于这点，有人认为阿劳的琴声听起来含混、粗重，也有人喜欢这种较'圆'的声音，认为听起来像管风琴，还有人说阿劳的手就像是在松软的琴键上翻耕。早年的阿劳享有炫技大师(virtuoso)的称号，演奏速度偏快，而且技巧凌厉，但中年以后他演奏的速度变得越来越慢，越来越深思熟虑，气势宽宏，充满气魄
阿劳的一生都在为他的事业奋斗，最终无愧地取得了世界公认的钢琴大师的声望。在阿劳迈入八十岁之际，他成为世界上最重要的音乐家之一，在1982至83年的音乐季中，国际上大部分的媒体把这称作“阿劳的年代”，以示对他的敬重与荣耀。1991年6月，阿劳在奥地利的米尔茨楚施拉格去世，当时他正筹划录制巴赫的键盘作品全集。阿劳曾经获得很多奖项，其中包括联合国颁发的世界遗产音乐大奖(The International UNESCO Music Prize)，德国颁发的大十字勋章，法国颁发的荣誉司令勋章，柏林爱乐乐团颁发的汉斯·比洛奖章，伦敦皇家爱乐协会颁发的金质奖章等等，2012年，留声机杂志评选的古典音乐名人堂(Gramophone Hall of Fame)，阿劳名列其中。
　　《b小调第三钢琴奏鸣曲》是波兰著名钢琴家、作曲家弗里德里克·肖邦于1844年在巴黎创作的一部钢琴曲，也是他现存全部奏鸣曲中的最终一部。
       这首奏鸣曲是肖邦与乔治·桑一起在诺安时创作的。正值华沙起义后肖邦流亡巴黎时期，作曲家把对祖国沦亡的极度悲痛、对侵略者的极度憎恨和对美好生活的向往全部倾入作品中，音乐成为表现其爱国主义情感的核心。基本情调是明朗的抒情，其发展的结果是欢乐的、乐观的和肯定生活的。

最喜欢的黑胶唱片（21）

PHILIPS 835 208 AY Hi-Fi Stereo

BEETHOVEN：SonateNr.29 B-dur op. 106

Hammerklavier-Sonate

CLAUDIO ARRAU

阿劳十论贝多芬

1.上台弹贝多芬时，我觉得比别的作曲家几乎来得容易，因为他的音乐内涵是如此清晰，如此明确。我弹贝多芬时总觉得很舒心。

2.事实上贝多芬奏鸣曲教给学生的就是——要求学生要有自己的立场观点，要形成自己的概念，要自己决定什么是曲子的性格特点。

3.有某些东西不应该用美丽的声音弹——贝多芬和勃拉姆斯的作品在某些时候需要用粗糙而生硬的声音，然而，肖邦和德彪西的就绝不能粗糙了。

4.别的作曲家作品只要照着音符弹就能弹得相当成功，但对贝多芬的作品却不行。他要求把每个音符、每个乐句、每个节奏都弹得有意义、有思想。他迫使学生要有自己的立场观点，要认真负责——这些是大多数年轻人不愿意做的事。

5.评论家的老生常谈从来不管用。他们忽视贝多芬的天才之花的开绽和成长，到后来不可思议地同神合为一体，这当然超越任何的分类。

6.凡听过贝多芬演奏的人都说他是怎样为了戏剧性的表现而夸大休止符。他会延长或缩短休止符，也会在一个乐章内改变速度。

7.贝多芬在创作中表现了英雄打的所有精神杖和心理杖，有超人的任务有待他去完成，他身经百战，不屈不挠，最终成为胜利者，达到自我实现和感悟的最高境界。

8.贝多芬晚期作品的音乐语言在表现上已经达到了超凡入圣的境界，颤音也变成了灵魂的颤栗。

9.事实上，我在维也纳弹过贝多芬的琴，还弹过当年的其他许多琴，似乎都配不上他的气魄。我认为，贝多芬当年梦寐以求的就是现代钢琴。甚至莫扎特在我听来，也是在现代钢琴上弹奏的效果更好。

10.简单地说，贝多芬的音乐体现斗争和胜利，是积极向上的东西。贝多芬永远看到胜利。他的音乐代表精神的新生，用贴近我们时代的方式对我们所有人说话。他的一生是一场求生存的斗争，就这层意义来说，他和我们是同时代人。

最喜欢的黑胶唱片（22）
BEETHOVEN：5 Piano Concertos
Claudio Arrau
PHILIPS 835 281-285 AY Hi-Fi Stereo 红棕标

贝多芬一共作有有编号的5首钢琴协奏曲，在5首钢琴协奏曲中，第一、第二号明显继承莫扎特与海顿的传统，其艺术表现所追求的是一种和谐、平衡中的美，第三号协奏曲中，开始出现贝多芬个性追求的那种戏剧性冲突，钢琴被赋予明显的激情。第四号协奏曲增加了阴柔与阳刚之间的对比，乐队更富动力，钢琴的个性更给予充分的发挥。而第五号协奏曲因为华彩乐段与乐队效果的烘托，使整部作品成为高涨的情绪与豪迈的激情的写照，闪烁着辉煌而又耀目的美。这5首协奏曲，尤其是后3首为浪漫主义协奏曲的发展打通了道路。

第一钢琴协奏曲
　　贝多芬的这首钢琴协奏曲，C大调，Op.15，作于1796年，为其旅行演奏而作，创作时期其实晚于第二号。这首协奏曲还是遵循维也纳协奏曲传统，其中明显可看到莫扎特的影响，共3个乐章：1．活泼的快板，奏鸣曲式。这一乐章非常莫扎特化，第一主题的和弦式进行、第二主题的纹饰，都接近于莫扎特影响。这一乐章值得注意的是进入再现部之前闪现神秘色彩的过渡准备，这一乐章中的装饰完全是莫扎特式快板乐章的特征。2．广板，三段体，中间段的钢琴独奏有即兴式的朗诵调表演，最后一段重复开头的一些片断，然后展开即兴因素的变奏。3．回旋曲，快板，有谐谑性因素。这一乐章中充满幽默，保持急速的节奏，主题是谐谑性的奥地利提罗尔舞曲，在第三段钢琴华彩乐段尾声之后，音阶式乐句凝聚起越来越紧张的力度 然后突然出现简短的休止，开始初现贝多芬的个性。

第二钢琴协奏曲
　　这首第二号先于第一号，降B大调，Op.19，约在1794—1795年创作并初演，1798年修改。这一协奏曲的乐队编制非常简练，曲式比第一号还要接近维也纳传统。共3个乐章：1．朝气勃勃的快板。第一呈示部的第一主题呈现两个对称的形象，第二主题是一个新的抒情性插段。第二呈示部同样拥有很多旋律，旋律和乐句的发展都具即兴意味，极具莫扎特的风格。2．柔板，这个乐章近似于海顿的风格，带有沉思意味，又充满温暧的感情。其中广泛使用了器乐式的朗诵调，从而时常形成旋律的情绪发展。这种发展中孕育着贝多芬的创作个性。3．回旋曲，稍快的快板。奏鸣曲形式的回旋曲，保持欢快中带有谐谑的特点。这一乐章的第一主题中有类似杜鹃的啼声，而在旋律中突出的重音，与钢琴左手部分节奏错位而带来幽默。整个乐章中节奏转换与突然的重音，都极具贝多芬的特色。

第三钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，C小调，Op.37，作于1800年，是贝多芬真正开始走向成熟的标志。这是贝多芬对现代协奏曲发展作出重大贡献的4首协奏曲（第三、四、五钢琴协奏曲与小提琴协奏曲）中的第一首，从这首协奏曲起，贝多芬加强了钢琴作为主体的力度，使它的对应织入整个音乐发展，使结构更为恢宏。这首作品是贝多芬最善于使用对比与发展的C小调，共3个乐章；1．朝气勃勃的快板，奏鸣曲式。第一主题多少有一些英雄性质，第二主题更富歌唱性，它们的发展很具戏剧性。2．广板，在这个乐章中，钢琴声部有比较宽广的发展，采用声乐艺术中类似朗诵调到花腔的各种方式展现钢琴的技巧。其中钢琴“朗诵”的片断与乐队的关系意味深长，而“花腔”式的钢琴音型处理非常复杂，由64分音符组成的音型比比皆是。3．快板回旋曲，大致的三段体。在这个乐章中，基本主题开始有五彩缤纷的变化。这种变化似乎是由一件乐器一件乐器之间的传递来完成。在第三段开始，在一段不长的赋格之后，有急剧而又饶有趣味的调性变换。尾声速度极快，表达出生动的幻想。

第四钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，G大调，Op.58，作于1805—1806年间，1808年12月在维也纳首演。这首协奏曲以钢琴声部纤细而又深刻的歌唱性见长，共3个乐章：1．中庸的快板，奏鸣曲式。这个乐章的第一主题本身就带有抒情性，第二主题带有田园风味，由钢琴表情花纹作装饰。其发展部以一些不安宁的下行音阶进行为基础，其中也有一些抒情段落。再现部有所压缩，但更富表情。这个乐章贝多芬先后作过两个华彩乐段。2．稍快的行板，这是非常着名的钢琴和乐队对话的乐章，一个是弦乐齐奏的断音主题，另一个是钢琴独奏叹息般的答句。有人把这个乐章解释为希腊神话中奥菲斯同阻挠他去地狱解救被囚禁的尤丽狄茜的那些魔鬼的对话，即奥菲斯用音乐驯服那些魔鬼。这个对话以钢琴的答句越来越宽广，越来越富有激情，而不间断过渡到第3乐章。3．活泼的回旋曲，这一乐章的基本主题是一首明亮的快速度舞曲，这个主题的发展使这个乐章充满舞蹈性因素。其中第二、第三段的色彩变化异常丰富纷呈。

第五钢琴协奏曲
　　这首钢琴协奏曲，降E大调，Op.78，是5首协奏曲中乐队与钢琴的技巧发挥最辉煌的一首，出版时标明为“大型协奏曲”，其《皇帝》的标题大约是指此曲的结构辉煌而在协奏曲之首而言。这首协奏曲与当时流行的“军队”协奏曲不无联系，共3个乐章：1．快板，奏鸣曲式。从乐队齐奏的响亮和弦和钢琴独奏3次自由的华彩开头，决定了这一乐章英雄主题的发展。这一乐章基本主题在各种相互对置的插段变换中，在和弦所组成的张力中不断出现非常精彩的段落，像是大江奔流的气势中宁静而又安逸的绿洲。发展部的对话明显比第四号第二乐章高出一筹，完全是一种深沉的戏剧性。而辉煌的乐队发展中不断涌现的钢琴华彩乐句恰恰又成为一种特殊的装饰。2．稍活泼的柔板，自由的变奏曲式。基本主题包括很弱的弦乐器咏与钢琴两次热情的戏剧性独白。在变奏中，钢琴一直在从容不迫地编织它优美的旋律图案。这一乐章后部开始孕育那个效果辉煌的发挥。3．回旋曲，快板，似乎是第二乐章的蕴积就为这一乐章的迸发。第二主题虽在这个乐章中有精细的发展．但基本主题在各种变奏和调性装饰处仍呈现出雄伟的气势。在这一乐章中，钢琴呈示出它的全部光辉。

阿劳虽然是智利人，但从他的教育和成长的过程去看，他是实实在在受着欧洲钢琴文化精髓哺育而成的一代大师，他母亲对他的培养所付出的一切也值得现在的狼爸狼妈去学习。阿劳的老师不多，大部分时间是靠自学，对他影响最深的是马丁·克劳塞（Martin Krause），克劳塞是李斯特的学生，李斯特是师承贝多芬的学生车尔尼，所以从传承的谱系上，阿劳是典型的德奥钢琴体系出来的演奏家。
记得在《阿劳访谈录》中提过，李斯特是阿劳最拿手的，其次是贝多芬。这两位作曲家的作品，恐怕是陪伴了阿劳一生贯穿他演奏生涯的保留曲目，也是他演奏艺术演进的见证。阿劳作为贝多芬专家的名声，是从1938年他在墨西哥城演奏贝多芬全套钢琴奏鸣曲开始建立。而全部五首钢琴协奏曲，他一生录过三次：1950和1960年代交界的Alceo Galliera（EMI）、1960年代的Bernard Haitink（Philips）和1980年代的Colin Davis（Philips），这还不包括1950年代klemperer那大半套的现场实况。

阿劳飞利浦的前一套是跟海丁克，阿姆斯特丹音乐厅乐团的合作，弹得中规中矩，各方面相当平衡保守的一套，但也实在难以给个高分，就看你对保守做何态度了，在英国的话，保守可是个褒义词，所以这套唱片的价值也许就在于它提供了一个标尺，范本，让人知道贝钢协要达到的诸多指数